Como hace unas semanas publicamos un programa dedicado a los inicios del cine de terror, hoy traemos un recopilatorio musical enfocado a canciones de terror.

De la mano de Plissken, el recopilatorio en cuestión es una amalgama de géneros musicales, en el que destaca, eso sí, el rock.

Grupos como Metallica, Dr. Explosion, Black Sabbath o Blue Öyster Cult comparten lista con Kiko Veneno o Alaska.

Y como cierre del programa, Bauhaus con su tema «Bela Lugosi’s dead».

Todo ello con los comentarios políticamente incorrectos, salidas de tono y batallitas personales que siempre pueblan nuestro podcast.

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Después de la tregua entre iVoox y SGAE, nos lanzamos a publicar otro programa de Vinilo de barra sobre canciones de viajes en el tiempo.

Plissken nos trae una recopilación de canciones con Frank Turner, Grand Funk Railroad, Zager & Evans, Orange Goblin, Uriah Heep, Hawkwind, Led Zeppelin y Black Sabbath.

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Debido al éxito del primer programa (mentira, al menos los locutores nos lo pasamos bomba) hemos decidido seguir con Vinilo de barra Volumen 2. Un spinoff en el que, amparados por las licencias de iVoox, analizamos las canciones que se nombran en los programas de Cine de barra y Cine de tapa de esta primera temporada.

En este Vinilo de barra volumen 2, analizamos las canciones de los programas de Cine de barra: El sargento de hierro, Por trece razones, El jovencito Frankenstein y la tertulia Nu Metal, El especial de verano, los informáticos (The IT Crowd) y Ozark.

Podrás escuchar folk, metal, rock progresivo, nu metal, pop ochentero… y alguna que otra sorpresa con nuestras chorradas campestres habituales.

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Hablar de los mejores baterías metal es hablar de subjetividad, de lo que a mi me gusta. Seguro que cualquier navegante que llegue hasta mi bitácora tendrá los suyos y me pondrá a parir (aunque eso no se hace en internet) por haber elegido a tal y no a tal otro. Así que todos son muy buenos (o muy malos), muy guapos, muy altos y muy listos.

Una vez aclarado esto (como si me fuera a librar de las críticas) este es mi listado lleno de contratiempos, matemáticas y desenfreno.

Brann Dailor (Mastodon)

El primer drummer es Brann Dailor del grupazo de groove metal Mastodon. Este baterista además de tocar ritmos salvajes, también se atreve a cantar en alguna que otra canción de la banda. Tuve la suerte de verlo en directo hace unos años en Madrid y, lamentablemente, me decepcionó el concierto. Tenía muchas ilusiones puestas en la banda, quizás por eso me esperaba algo más. Esto no quita que sea un fiera.

Mario Duplantier (Gojira)

Este chico francés es una auténtica bestia, de los mejores de su generación. Junto a su hermano Joe son las cabezas visibles del grupo Gojira de Bayona. También los vi en directo en Madrid, en el Sonisphere, y a diferencia de Mastodon me dejaron con la boca abierta. Mario se levantaba animando al público. Todo un espectáculo para una banda que merece ser escuchada. Aire fresco en el panorama del metal.

John Dolmayan (System of a Down)

Con un estilo mezcla de jazz y esquizofrenia, John Dolmayan de System of a Down merece estar entre los mejores baterías de metal por su sonido inconfundible y su técnica. Premiado en 2006 como batería del año por la revista Drum! Magazine, su estilo es esencial para que una banda como SOAD suene de esa manera tan característica.

Tomas Haake (Meshuggah)

El sueco Tomas Haake, de la también banda sueca Meshuggah, es uno de los habituales en las listas de mejores baterías o bateristas del mundo. ¿Por qué? Su técnica es asombrosa, matemática, y pese a no ser el típico tío que hace un solo en los conciertos para que todos digan lo bueno que es, lo es. Y mucho. Es difícil ser sobrio y contenido en canciones tan brutales como este Bleed.

Dave Lombardo (Slayer)

Mítico batería de Slayer que también ha participado en proyectos con Mike Patton. El cubano toca de una manera muy agresiva y en su tiempo fue uno de los mayores innovadores dentro del panorama del metal. Muestra de su agresividad la podemos ver en temas como Angel of Death o Raining Blood.

Mike Portnoy (Dream Theatre)

Lo primero que tengo que decir antes de hablar de Mike Portnoy es que no me gusta Dream Theatre. Y cuando digo que no me gusta quiero decir que no los soporto. Y eso que me encanta el metal progresivo y es para quitarse el sombrero que hagan discos conceptuales como Metropolis. Es algo visceral, escucharlos y ponerme de mala leche.

Eso no quita que reconozca a su batería, Mike Portnoy, como un auténtico genio, galardonado con infinidad de premios. Además, en 2010 abandonó Dream Theatre (cosa que le agradezco) para dedicarse a otros proyectos.

Joey Jordison (Slipknot)

Hablar de monstruos (nunca mejor dicho) de la batería y del metal es hablar de Joey Jordison de Slipknot. Con una extrema velocidad en el golpeo, es considerado por muchos como el mejor batería de la actualidad. Si has estado en un concierto de Slipknot, posiblemente también lo creas, porque es capaz de tocar hasta bocabajo… y si no mira:

Es tan jodidamente bueno (sí, hay que decirlo con un taco) que hace unos años cuando otro batería mítico, Lars Ulrich  de Metallica (pese a que soy un fan de Metallica no creo que deba estar en este listado) tuvo que ser hospitalizado horas antes de su concierto en Download Festival, Joey Jordison no tuvo ningún problema en sustituirlo y, ante la sorpresa del respetable y de los propios componentes de Metallica, incluyó aportes personales a las canciones que hicieron que ese fuera uno de los conciertos de la banda californiana más míticos de la historia.

Danny Carey (Tool)

Para mi el mejor de todos. El virtuosismo en la batería. Las matemáticas del progresivo. Sí, me estoy tocando querido lector. Danny Carey es mi batería preferido. Algo tendrá que ver que Tool sea mi grupo preferido. Y es que escuchar a este bicharraco es una auténtica delicia.

Fui uno de los privilegiado que asistió al concierto de Tool en la sala Riviera de Madrid allá por 2002 y quedé ojiplático. Jamás había visto (y a día de hoy tampoco) un batería que hiciera que estuviera todo el concierto mirando el recital que estaba dando sin prestar atención al resto de miembros del grupo que, por otro lado, tampoco son mancos. Y eso que la puesta en escena del grupo es espectacular.

Ya os hablé en su momento de Fibonacci y la proporción aurea en la canción Lateralus de Tool y de cómo juega con las matemáticas Danny Carey para darle más sentido si cabe a este tema espectacular utilizando patrones rítmicos poco usuales en la música. Aquí tenéis el último vídeo del post donde el batería de Tool muestra por qué es para mi (atentos a los que hace en el 0:44) el mejor batería del mundo.

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Después de unas semanas muy atareado me enorgullezco de traeros la vida y obra de Mike Patton. Cantante, compositor, humanista, director, actor, monstruo (literal) y sobre todo freak de nuestro tiempo.

Si os pareció raro el anterior monográfico sobre Omar Rodríguez-López, este no lo va a ser menos.

Michael Allan Patton nació un 27 de enero de 1968 en la ciudad californiana de Eureka. Naciendo en ese lugar no es de extrañar que el chiquillo tuviera una pasión exacerbada por la música lo suyo.

Era una chaval guapetón, lo que le llevo a hacer sus pinitos en la moda, pero pronto comprendió que estaba para algo más que lucir palmito y se centró en la música para sacar todas las mierdas ideas que tenía dentro.

Fue así como formó a los 17 años la banda de música experimental Mr. Bungle. No nos vamos a engañar, su música era raruna y pese a sacar varias demos no se comieron un colín.

En 1989 la vida de Mike Patton cambió. La banda Faith No More llamó al joven Mike y le propuso ser cantante, ya que habían tenido problemas con el anterior componente del grupo. Dio el sí con la condición de poder seguir adelante con su banda original Mr. Bungle. Los pobres no sospechaban que estaban alimentando al monstruo.

A los pocos meses lanzaron el disco The Real Thing ya que Mike Patton, en un subidón de creatividad, escribió las letras de todas las canciones en apenas dos semanas. Un auténtico pelotazo como podemos comprobar en su canción Epic, donde vemos a un joven Patton con la camiseta de Mr. Bungle (promoción que como veremos, le dio resultado) y haciendo el gilipichis.

Fue así como Faith No More se convirtió en una de las bandas más influyentes del rock gracias a la experimentación y a las genialidades de Mike Patton, llegando a crear auténticas obras de arte en forma de discos como Angel Dust o King For A Day…Fool For A Lifetime, y canciones tan cañeras como Digging The Grave, Ricochet o Midlife Crisis.

Estaba tan nervioso y emocionado por pertenecer a Faith No More, que incluso se cortó un tendón de la mano con una botella rota (por accidente, mal pensados).

En 1995 tuvo un accidente de coche y pese a salir sin daños físicos, sufrió un trastorno conocido como amaxofobia o temor a conducir un vehículo. Esto explica muchas cosas de su conducta creativa.

Pero Mike Patton no podía quedarse parado como miembro de una banda de éxito y  lo aprovechó para ayudar a Mr. Bungle a firmar por una multinacional y así dar rienda suelta a su creatividad durante 3 largos, eternos discos. Queridos lectores no os perdáis Goodby Sober Day, llegad al final, merece la pena.

Fue en este momento cuando hizo CATACROKER. Como el mismo Mike Patton ha llegado a afirmar en las pocas entrevistas que ha dado:

La música está muriendo, y son los músicos con la falta de creatividad los que la están matando.

Así que decidió crear nuevos proyectos más mierdas de su mente enfermiza. Grabó dos discos en solitario llamados Adult Themes for Voice y Pranzo Oltranzista; fue miembro de Hemophiliac cuya música es considerada como «improvisación con fines de locura».

Mención especial para su faceta de director. En 1991 el angelito Patton creó Video Macumba, una serie de cortos que muestran torturas, suicidios, coprofagia, payasos… os hacéis una idea. Pese a encontrar un par de fragmentos he decidido no compartirlo con vosotros, pero sí una canción de la banda de punk brasileña Ratos de Porão con el mismo nombre de los vídeos, en el que dicen «Hey Mike, what’s up with your mind?» (Hey Mike, se te ha ido la olla a Camboya).

Volviendo a sus proyectos musicales, en 1998 formó Fantômas junto a músicos como Dave Lombardo (batería de Slayer), creó un sello discográfico para poder publicar sus propias mierdas obras. Han publicado 4 discos, de ellos destaco The Director’s Cut con versiones de películas clásicas de terror. Aquí podéis ver lo bien que se llevan en el escenario Patton y Lombardo… una auténtica locura…

Ahora que le había cogido el gusto de crear proyectos para experimentar (por llamarlo de alguna manera) formó dos más: Lovage y Tomahawk, ambos en 2001.

¿Conocéis la expresión hacer el indio? Pues Mike Patton la conoce muy bien ya que con Tomahawk hizo un disco de cantos tribales indios.

En 2002 sacó un EP con la banda The Dillinger Escape Plan (el nombre mola que te cagas) de 4 canciones, entre ellas una versión del Come to Daddy de Aphex Twin. También trabajó, como no, con otra locaza, Björk.

Habéis comprobado la desmesurada pasión de Mike Patton por hacer ruidicos… pues bien, si os gustan las películas y videojuegos de terror, seguro que habéis oído a nuestro protagonista alguna vez ya que ha puesto la voz a seres de inframundo y de otros planetas en películas como Soy Leyenda o en la serie de videojuegos Left 4 Dead.

Y todo ello gracias a la versatilidad y múltiples registros que posee. La verdad es que el cabronazo, pese a la chota, tiene un vozarron para fliparlo.

Después de su participación con The Dillinger Escape Plan (como mola decir The Dillinger Escape Plan) saca su parte más comercial con su proyecto Peeping Tom, donde colabora con artistas más de la cultura pop como Norah Jones, Bebel Gilberto o los mismísimos Massive Attack.

Hizo un par de bandas sonoras (A Perfect Place y Crank: Alto Voltaje) y quizás por falta de inspiración (no creo) o por aburrimiento (tampoco), se fue a vivir a Italia y allí… pues otra vez CATACROKER.

«La malas junteras» como dice mi madre… le hizo apasionarse por la música italiana de los años 50 y 60. Hizo varios conciertos con una orquesta de 30 músicos y en 2010 sacó a la luz Mundo Cane, una recopilación de versiones de música italiana popular de dicha época.

Un ejemplo de esta pasión es la colaboración que hizo con el grupo australiano The Tango Saloon para la canción Dracula Cha Cha de su disco Transylvania (vampiros, música italiana… ¿cómo no iba a participar?).

Y aquí estamos, esperando las nuevas aventuras de mi amado Mike Patton, un genio que está como una puta chota, pero ¿no están así todos los genios?

¿Conoces otras excentricidades de Mike Patton? Deja un comentario

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Aunque para desplazarme, como todo superhéroe con poderes, suelo hacerlo volando, en alguna que otra ocasión tengo que hacerlo en automóvil. Es por ello que tengo una playlist de canciones para viajar en coche que hoy me gustaría compartir con vosotros. En esta ocasión os dejaré el listado de las canciones rock, metal, progresivo…

Golden Earring – Radar Love

Esta banda de rock de los 60, de origen holandes, es la artífice de la primera canción para viajar. Con más de 25 discos a sus espaldas, se podría considerar una banda de One Hit Wonder pese a que en su país natal, lo petaron.

The Mars Volta – Wax Simulacra

Ya os he traído este grupo antes, la banda de Omar y Cedric. Esos dos bichos raros que hacen maravillas musicales. Una de ellas es Wax Simulacra, de su disco maldito «The Bedlam in Goliath». Lo que posiblemente no sabíais es que se llevó el Grammy a la mejor interpretación de hard rock. Normal que esté en mi listado de canciones para viajar.

Pearl Jam – Corduroy

Otro de mis grupos de cabecera y que no he traído tanto al blog como me gustaría. Esta cancionzaca del disco «Vitalogy» (no fue single ni cara B, pero una de las preferidas entre sus fans) habla de la fama y de cómo la chaqueta de pana (corduroy en inglés) de apenas 12$ que usaba Eddie Vedder en sus conciertos, pasó a valer 650$ al hacerse famoso.

Tool – Rosetta Stoned

Sin lugar a dudas mi grupo musical preferido. ¿Por qué? Por canciones como esta. Rosetta Stoned cuenta un viaje de LSD en el que el protagonista se siente abducido por los extraterrestres. Todo ello con un virtuosismo musical (como pudimos disfrutar en Lateralus) en el que destaca la batería de Danny Carey.

Rammstein – Rammstein

Los alemanes aparecen en la banda sonora de «Carretera Perdida», película de mi siempre odiado David Lynch. Como en todas sus películas, si no tienes 180 de CI no te enteras de una mierda. Este tostón infumable se salva por la maravillosa banda sonora, en la que destacan, además del tristemente fallecido David Bowie, el grupo alemán Rammstein con este temazo.

Deftones – Back To School

Deftones es el grupo que más veces he visto en directo. Desde mi época de universitario llevo esta canción en el coche, aunque entonces iba en bus. Todo un subidón de adrenalina (aunque estuviera en el disco «White Pony» y no en el «Adrenaline») antes de quedarte dormido en clase o hacer una visita a la cafetería.

Queen – Bohemian Rhapsody

Y qué decir de la canción que tiene el honor de ser el primer videoclip de la historia de la música. ¿Hay alguien que no haya imitado a Wayne en el coche con esta canción? Un himno con el que termino esta recopilación de canciones para viajar en coche en su versión rock.

Y vosotros ¿qué canciones para viajar en coche soléis escuchar?

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Inauguramos esta sección inspirada en Muchachada Nui con uno de los artistas más inquietos del panorama actual: Omar Rodríguez-López.

Omar Alfredo Rodríguez-López nació un 1 de septiembre de 1975 en Puerto Rico. Músico y compositor de múltiples grupos, entre las que destacan At The Drive-In, De Facto y The Mars Volta, en los que coincidió con Cedric Bixler-Zavala, la persona que más ha soportado sus excentricidades, sin ser familiar, hasta que se cansó.

Pese a nacer en Puerto Rico, Omar Rodríguez-López creció en El Paso (Texas) en una familia adinerada, donde conoció a Cedric Bixler-Zavala. Antes de la mayoría de edad, el bueno de Omar decidió irse a conocer mundo en modo perroflauta ya que estaba cansado de su modo de vida. Después de vivir de mochilero, comer lo que le daban, ponerse como las grecas con todo tipo de drogas, dormir en la calle en bancos tapado por periódicos y un largo etcétera, Omar llamó a su amigo Cedric para que le mandara dinero y así poder volver a El Paso. Fue así como se unió al grupo de su amigo Cedric llamado At The Drive-In en 1993.

Los dos amigos se entendían perfectamente, no les hacía falta comer sardinas para beber agua. Tanto era su entendimiento que en el momento de más auge de la banda en 2001, decidieron dejarla y formar otra para experimentar con otro tipo de sonidos. Fue así como nació De Facto.

El experimento no salió del todo bien, entre otras cosas porque Cedric, cantante hasta la fecha, se ocupo de tocar la batería. Además, como no podían parar de crear, decidieron dar una vuelta de tuerca a la experimentación musical y crearon, junto a Eva Gardner (que no Ava) el mítico grupo, ya desaparecido, The Mars Volta para poder plasmar todas las mierd… cosas geniales que tenían en la cabeza.

Para que os hagáis una idea de la capacidad de creación de esta pareja, el nombre del grupo viene de la unión de su pasión por la ciencia ficción y del director de cine Federico Fellini que utilizaba la expresión ¡Volta! para los cambios de escena.

El resultado fue asombroso. Un grupo musical incatalogable e imprescindible para cualquier amante de la música que se precie. Su primer disco, «De-Loused in the Comatorium» producido por Rick Rubin, es un disco conceptual que cuenta un hecho vivido por la pareja (esto se repetirá a lo largo de su discografía) aunque con algunos cambios.

Un amigo de Cedric llamado Julio Venegas, entró en coma tras una sobredosis de heroína. Estuvo en coma durante mucho tiempo y al salir se quedó con secuelas y deformidades (tenía un brazo deforme debido a veneno de ratas), por lo que decidió acabar con su vida tirándose desde un puente en El Paso.

En «De-Loused in the Comatorium» cuentan la historia de Julio bajo el pseudónimo de Cerpin Taxt, un adicto al veneno de rata y la heroína. En las primeras canciones nos narran la historia del personaje antes del accidente, siguiendo con la experiencia vivida durante el coma para terminar contando su suicidio en la preciosa canción «Televators».

Pero si parece raro que el album debut de un grupo cuente como se suicida una persona, ahí no queda la cosa. Y es que el mundo que rodea a Omar Rodríguez-López es muy esotérico. El disco fue grabado en California, en la casa de Harry Houdini en Laurel Canyon. Mansión que se cree está embrujada y que es usada por muchos grupos para buscar inspiración durante las grabaciones. La leyenda negra de Omar continua con la muerte por sobredosis de Jeremy Michel Ward, técnico de sonido en la grabación de «De-Loused in the Comatorium».

«Frances the Mute», segundo disco de la banda de Omar, cuenta la historia de un diario que fue encontrado en la parte trasera de un Taxi por el técnico de sonido, anteriormente citado por su muerte, Jeremy Michael Ward. Los nombres de las canciones son los personajes que aparecen en el diario (aunque la discográfica dividió el disco de otra manera) y en el que se incluyen muertes, asesinatos y la búsqueda de una madre por parte de su hija abandonada…

No es un secreto que Omar utiliza recursos como las drogas, la muerte y lo sobrenatural para inspirarse a la hora de componer, como queda reflejado en su música lisérgica, aunque el propio Omar dice que su principal inspiración a la hora de componer es… el director de cine alemán Werner Herzog (Aguirre, la cólera de Dios). ¡Tócate los cojones Mariloles! 

En su siguiente disco «Amputechture», la muerte y lo esotérico se apoderan por completo de la banda. Con múltiples referencias a las religiones, Dios, Satán, la muerte e incluso San Juan de la Cruz. No puedo dejar pasar una joya que habla de monjas poseídas llamada «Asilos Magdalena», inspirada en instituciones mentales al más puro estilo American Horror Story: Asylum y en las atrocidades que allí se cometían.

Fue precisamente en la gira del «Amputechture» cuando se produjo el auténtico CATACROCKER de Omar. Y es que estando de viaje en Jerusalén, encontró en una tienda una ouija que le regalo a Cedric. Hay gente que regala imanes para la nevera cuando va de viaje y otras que regalan ouijas. Pues bien, resulta que entre concierto y concierto, los miembros del grupo jugaban a la ouija. En esas sesiones diarias, se les aparecía repetidamente un espíritu llamado Goliath que les pedía hacer cosas amenazándolos con represalias en caso de no realizarlas. Esta mala costumbre les llevó a que sucedieran cosas extrañas, que la banda denominaba como una racha de mala suerte: pérdidas de grabaciones, inundación en la casa de Omar, Cedric tuvo que ser operado de un pie por los zapatos que usaba, incluso uno de los técnicos dejó la banda por un colapso nervioso debido al miedo. Por lo que Omar siguió un rito para romper la ouija y esconderla para que nadie la encontrara, además pidió que jamás se volviera a hablar de lo que el espíritu les pedía en esas sesiones. Todo esto quedó reflejado en el siguiente disco llamado «The Bedlam in Goliath».

Como muestra de lo que les pedía hacer el espíritu están las ruedas de prensa que realizaban con máscaras de demonios o el videoclip de la canción «Goliath», en el que la banda hace un playback descompasado con Cedric disfrazado de… de… bueno, disfrazado.

Varios discos después y muchas paranoias más, Cedric Bixler-Zavala decidió en 2013 poner fin a esta relación enfermiza con Omar Rodríguez-López, pero musicalmente genial, disolviendo The Mars Volta. El motivo era la hiperactividad de Omar. Y es que esta criatura no puede parar de crear, tiene nada más ni nada menos que 28 discos en solitario de estudio, más 2 directos y un recopilatorio. En 2013, por ejemplo, publicó 4 discos de estudio. Incluso Wikipedia tiene su propio anexo para contabilizar su proceso creativo.

Pero eso no es motivo para dejar de componer, ya que la criatura siguió trabajando en los grupos Bosnian Rainbows, Kimono Kult, Apolo y por supuesto El Grupo Nuevo de Omar Rodríguez-López. Pero el enfado le ha durado poco a Cedric ya que tienen un nuevo proyecto juntos llamado Antemasque.

¿Cuanto tardará Omar Rodríguez-López en hacer otra vez catacrocker?

Fuentes: Programa de radio Cara B y Wikipedia

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Raining Blood

Empezamos las versiones de canciones rock o metal muy fuerte. Ultra cañera canción de los californianos Slayer, que a mi entender, versa de la destrucción del Reino de los Cielos (o algo así). Ya hablamos algo de Slayer y sus canciones de guerra en otro post. La versión en este caso la realiza la pianista Tori Amos, que le aporta un toque de oscuridad que está muy bien.

Original

Versión

Iron Man

Canción sobre viajes en el tiempo y apocalipsis (no del superhéroe) creada por uno de los padres del metal, los oscuros Black Sabbath. En este caso, la versión realizada pertenece al género pop y fue realizada por los suecos The Cardigans.

Original

Versión

Stairway to heaven

Super canción del super grupo británico Led Zeppelin super conocida y con tantas interpretaciones que he preferido no mojarme y que los lectores busquen en internet y se queden con la que más les guste. En este caso la versión la realiza la señora Dolly Parton y la traslada al terreno country.

Original

Versión

Smells like teen spirit

No dejamos el terreno del country-folk  y aquí tenemos la versión que realizó Patti Smith de la canción bandera de los Nirvana (aunque nunca mejorará la de Pitingo), que al igual que Stairway to Heaven, tiene múltiples interpretaciones, pero lo que si parece ser cierto, es que Teen Spirit es (o era) una marca de desodorantes (publicidad subliminal).

Original

Versión

¿Qué otras versiones de canciones rock o metal aportarías al post?

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Baile nupcial, los recién casados se pone ojitos, todos miran con felicidad a la pareja mientras suena… ¿una canción de desamor? Esto es lo que pasa cuando no sabes lo que dice la canción. Para que no te ocurra esto aprende idiomas o lee atentamente el post para que no se te cuelen una de esas canciones que no son lo que parecen.

Eddie Grant – Gimme Hope Joanna

Esta canción que hizo bailar a media España a finales de los 80 que aparentemente es alegre trata en realidad del apartheid. De hecho, Joanna no es más que el diminutivo de Johannesburgo y representa al gobierno sudafricano que acabó definitivamente con la separación del pueblo negro. La próxima vez que hagáis una conga con esta canción, tenedlo en cuenta.

Tool – Die Eier Von Satan

Mi grupo preferido, Tool, del que ya os he hablado en otros post de sus canciones que hablan de Fibonacci y Carl Jung. En esta ocasión se aprovechan de los recuerdos que tenemos al ver y oír los discursos de Hitler, por ejemplo, y de lo rudo que nos resulta el idioma alemán. Por el nombre de la canción que incluye la palabra Satan, podríamos pensar que es el mismísimo führer el que está hablado en la canción, ovacionado por la muchedumbre. Pues bien, no es más que una receta de cocina que no lleva huevo.

Nena – 99 Luftballons

Y seguimos con el alemán. Ya hablé de esta canción en el post de canciones sobre guerra. Como os conté, esta canción no es infantil ni va de globos, confeti ni una fiesta de cumpleaños. Todo lo contrario, Nena nos cuenta como se desencadena un holocausto nuclear al invadir unos aviones militares el espacio aéreo de otro país, lo que provoca el lanzamiento de cabezas nucleares. Seguro que después de esto, ya no te parece que la canción sea de buen rollo.

Black – Wonderful life

Os aseguro que he escuchado esta canción como baile nupcial en más de 2 bodas, en serio. Pues bien, pese al título, lo que representa esta canción no tiene que ver con una vida maravillosa. Es una canción melancólica que habla de soledad, sueños incumplidos, aves carroñeras al acecho metafóricamente… vaya, todo lo que uno piensa en una boda, si es que asistes sin acompañante claro. Este tipo de canciones deberían llevar un aviso para que no se usaran en según que eventos. Por cierto, esta canción también ha aparecido anteriormente en el blog en el post de versiones mejores que las originales (o casi).

Jefferson Airplane – White Rabbit

Esta canción de rock psicodélico del año 1967 no habla exactamente de Alicia en el país de las maravillas, más bien lo hace de un viaje de LSD y alucinógenos. De hecho, la canción llegó a ser censurada en Estados Unidos.

Michael Jackson – Smooth Criminal

Y aquí llega la parte más freak del post. Muchos recordaréis esta canción por su fantástico videoclip perteneciente a la película Moonwalker. La canción da muy buen rollo y el vídeo en plan gangsters también mola un huevo. Hasta aquí todo normal. Lo que la letra esconde es un poco más siniestro. La letra aparentemente cuenta la historia de una chica, Annie, a la que asaltan en su casa y le hacen mucha pupita… vaya que la matan. Eso ya no da tan buen rollo. Pero si profundizamos un poco más podemos apreciar como Jacko le pregunta a Annie si está bien (Annie are you ok?). Esta es una de las primeras pautas de la RCP (reanimación cardiopulmonar, aprendiendo primeros auxilios, vaya), preguntar al afectado como se encuentra, ver si está consciente etc. ¿A qué viene esto? No estoy delirando, si escucháis atentamente la letra da una serie de instrucciones que coinciden con lo que se hace en la reanimación, incluyendo el boca a boca.

Pero la cosa no termina aquí. ¿Habéis oído hablar de la desconocida del Sena? Era una joven que apareció muerta en la orilla del Sena. Su cara se hizo muy popular en 1900, incluso adornaba las casas e inspiró varias obras. Su rostro fue usado para dar vida al muñeco que se usa para la RCP. ¿Sabéis que nombre le dio el creador a su muñeco RCP?  Efectivamente, Annie.

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La semana pasada no hubo post porque estuve de vacaciones (sí los superhéroes también tenemos derecho) y visité el campo de concentración de Terezin en la República Checa, lo que me ha hecho pensar en canciones sobre guerra. Es por esto que os he hecho una recopilación de algunas de mis canciones favoritas del tema. Espero que os gusten.

Colonel Bagshot – Six day war

Este grupo británico de comienzos de los años 70 (no aparecen ni en wikipedia) con tintes psicodélicos, progresivos y atmosféricos, llegaron a mis oídos gracias a DJ Shadow que utilizó parte de esta canción en «Six days». Esta canción que os traigo, la original, resume en 6 días los calvarios de la guerra.

Edwin Starr – War

La siguiente canción de Edwin Starr también es de comienzos de los años 70, y le llevó a ser conocido en todo el mundo. Coincidiendo con la guerra de Vietnam, el bueno de Starr gritaba la inutilidad de la guerra. La canción fue grabada en primer lugar por los Temptations pero el sello Motown no se decidió a lanzarlo como sencillo. Fue entonces cuando lo grabó Edwin Starr y lo lanzó a la fama en EEUU y Reino Unido. Incluso el actor Jackie Chan se atreve a cantar la canción en la película Hora Punta. Además, cuenta con un momento teniente: si escuchamos la canción detenidamente, a los 50 segundos dice claramente ¡Qué coñ*!

Iron Maiden – The Trooper

No me gustan los Maiden. No me gustan nada los Maiden. De hecho, jamás pensé que en este blog podría aparecer una canción de este grupo. Pero tengo que reconocer que The Trooper está de puta madre. Trata sobre la guerra de Crimea y está inspirada en un poema de Lord Alfred Tennyson, «La carga de la caballería ligera», con el punto de vista de uno de los soldados muertos en combate.

Sepultura – Refused/Resist

Los brasileños Sepultura, una de mis bandas favoritas, publicaron a finales del 93 uno de los mejores discos de la historia de thrash metal, Chaos A.D., una obra llena de furia que influenció a múltiples bandas. Entre sus cortes, hay muchas canciones sobre guerra que podrían estar en este listado, como (War for…) Territory o Manifest que habla de la matanza de la cárcel de Carandiru.

Nena – 99 Luftballons

Esta banda alemana compuso esta canción que, pese a la creencia popular, no habla de globos con los que juegan los niños. Habla de un holocausto nuclear. Como bien se explica en el blog Alemania entre bastidores, esta canción compuesta en la guerra fría, nos cuenta como una confusión entre naciones provoca el fin de la civilización. Nada que ver con la versión en inglés ni con el tono musical de la canción.

Slayer – Angel Of Death

Una de las canciones más polémicas de la banda Slayer habla de Josef Mengele, el médico nazi que realizaba experimentos con humanos en Auschwitz, el campo de exterminio. Debido a lo explícito de la letra y a la polémica que suscitó, la banda ha llevado hasta la fecha la etiqueta de grupo pro nazi, aunque esto sea falso y desmentido en múltiples ocasiones por los miembros de la banda.

System Of A Down – War?

Para terminar, otra de mis bandas favoritas. Los inimitables System Of A Down aportan a canciones sobre guerra una amalgama de ideas entre AK47, M16 y paganos, pero como ellos mismo dicen, no hablemos más de guerra.

¿Conoces más canciones sobre guerra para aportar a este listado?

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